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Los últimos años del siglo XIX y los primeros del XX no dejaban adivinar con facilidad cuál iba a ser la evolución inmediata de la escultura española, a causa de la carencia total de un orden estético y de la proliferación de monumentos conmemorativos de un extremado detallismo, pero faltos de inventiva y valía artística. Pero muy pronto, a medida que se iba penetrando en el siglo XX, la escultura volvió a recuperar su antigua consideración.

La evolución de la escultura romana es similar a la que sufrió su arquitectura. Partiendo de un cauce etrusco, oscuro y desconcertante, fue deslizándose lentamente sobre las huellas de los griegos hasta encontrar su propio estilo, tan alejado de los unos como de los otros, pero nunca lo suficiente para que podamos decir que sus artistas crearon un estilo original.

El siglo XV es uno de los más gloriosos para la escultura española, tanto en calidad como en abundancia de obras. España sigue abierta a las influencias del exterior, que si bien antes eran francesas, ahora proceden de Borgoña, cuyo paladín había sido el genial Claus Sluter, con sus paños ondulados y fuertemente agitados y el penetrante realismo de los rostros; pero, a partir del segundo tercio del siglo y, sobre todo, al mediar éste, el estilo que predomina en la escultura española es el flamenco, de paños angulosos y muy atenta observación del natural.

Desde tiempos de los iberos y de los celtíberos, los lugares adecuados para la defensa o el ataque se vieron fortificados con construcciones acordes con las técnicas que estos pueblos dominaban. Pero al evolucionar la poliorcética, o arte militar, las construccio­nes militares fueron adquiriendo una nueva fisonomía. La palabra "castellum", de la que se deriva "castillo", es un diminutivo de "castrum", el asentamiento militar romano por excelencia. En principio tuvieron carácter temporal, y fueron instrumentos de ataque más que de defensa.

Ya hemos dicho que nos hemos visto obligados a distinguir dos colecciones de este periodo por la gran cantidad de obras producidas y el número de nuevos estilos puestos en marcha. Sólo hemos pretendido mencionar los más impactantes y mostrar los autores y las obras más conocidas y admiradas de nuestro siglo.

Nuestra Península es tan rica en manifestaciones artísticas prehistóricas que, precisamente, su abundancia ha tenido sumidos en el mayor desconcierto, durante mucho tiempo, a historiadores y arqueólogos, impidiéndoles establecer un esquema de conjunto en el que quedasen satisfactoriamente encuadradas y correlacionadas esas variadísimas manifestaciones.

Es difícil hablar del románico y del gótico como de dos estilos distintos y perfectamente separables en el espacio y en el tiempo. Si el problema de transición de un estilo al inmediatamente posterior siempre presenta arduos obstáculos cronológicos y estéticos, en el caso del románico y el gótico los obstáculos se multiplican considerablemente. Los dos estilos conviven, se entrecruzan y superponen hasta tal punto, que muchas veces es difícil clasificar ciertas obras

Tantos movimientos culturales y sociales determinan un siglo XIX muy denso y desconcertante. La cultura se difunde en el pueblo y produce una serie de conmociones políticas y económicas que nadie habría podido prever con anterioridad. Por todas estas causas el silgo XIX es al mismo tiempo progresista y desconcertante, como podemos ver en esta breve colección de imágenes con el que queremos recordarlo.

Si hubiera que definir con una sola palabra la pintura románica, tendríamos que llamarla "antinaturalista". La pintura románica, igual que la bizantina, resulta poco naturalista comparada con la desarrollada desde el Renacimiento hasta el siglo XIX. Mas no debe achacarse todo a la torpeza técnica de sus autores. No se trata de torpeza técnica. Para comprender el fenómeno de la pintura románica debemos remontarnos un poco más atrás y recordar los rumbos que tomó la civilización europea y el arte cristiano desde el Bajo Imperio Romano.

Es curioso comprobar que si bien la arquitectura románica se desarrolla con anterioridad en la región pirenaica, la escultura toma, en cambio, la ventaja en Galicia y León desde el siglo XI. Cierto es, sin embargo, que los más antiguos dinteles y capiteles fechados parecen ser pirenaicos, pero la gran actividad de los escultores pirenaicos no culmina hasta el siglo XII, cuando ya gallegos, castellanos y leoneses habían llenado sus iglesias de hermosos relieves de piedra.

A finales del XIX, el francés Monet con su cuadro "Soleil levant, Impresión" abre la puerta a un nuevo estilo que va a dominar Europa durante más de medio siglo. En esta primera exposición impresionista (1874) acompañan a Manet otros autores que van a dirigir este estilo, como Renoir o Degas. Esta nueva corriente pictórica pretende reproducir la apariencia meramente transitoria de los objetos destacada por la luz y los reflejos de los cuerpos en el mismo momento en que son contemplados.

Por la riqueza y exuberancia de sus productos hemos tenido que presentar dos colecciones de esta zona que sólo pretenden acercarnos levemente a la gran producción artística oriental. Ya hemos indicado que a partir del siglo XX, estas obras tuvieron influencia en la imaginación de los artistas europeos contemporáneos.

Como resultado directo de la conquista de la Península Ibérica por las legiones romanas, la romanización se inicia desde el primer momento, se acentúa durante el Imperio, o sea, desde el año 19 a. de J.C. en adelante, y se completa, por influjo del Cristianismo, en los siglos III y IV de nuestra Era.

A partir de la obra helénica, y con una influencia etrusca muy marcada, los romanos aparecen en el escenario artístico europeo con gran originalidad, sobre todo en el capítulo arquitectónico, aunque también muestran gran talento para la escultura y la pintura, y son los grandes creadores del mosaico. En conjunto aparece un nuevo estilo artístico, inspirado sin duda en el helénico pero con indudable personalidad, que va a influir notablemente en el arte europeo posterior.

Con esta sencilla colección de arte americano precolombino pretendemos mostrar las mejores muestras conservadas de una sociedad que fue completamente absorbida por las invasiones europeas del XVI. Mayas, aztecas e incas son los pueblos más importantes que nos dejaron muestras de su expresividad artística y confirmaron que el espíritu humano no puede existir sin manifestaciones artísticas que demuestren de algún modo su capacidad de creación.

La denominación de arte gótico para clasificar al estilo artístico que floreció desde el siglo XIII al XV en toda Europa parece la debemos al Vasari, que en su libro critico e histórico del arte europeo le define con este nombre por sospechar su procedencia germánica. Nada más lejos de la realidad, pues el estilo gótico sólo es una evolución del románico anterior.

No sólo en Italia comienzan a oírse las trompetas de la revolución socioeconómica que va a transformar Europa. Flandes siente también esta conmoción histórica que se avecina y da a luz un arte tan vanguardista y sorprendente como el italiano, como podemos ver en esta breve colección. Las diferencias con el arte italiano son evidentes, pero también lo son con el arte europeo anterior. En Flandes se está fraguando una revolución artística semejante a la italiana.

Esta tercera etapa histórica del espíritu heleno es la de su decadencia final pero no por ello debemos prestarle menos atención que a las dos anteriores, porque sigue poseyendo una gran madurez creadora de la que se han alimentado todos los grandes estilos europeos de Roma y el Renacimiento europeo, como se verá en posteriores colecciones.

Una sensibilidad y una cultura tan explosiva y sorprendente como la de este siglo produce un arte semejante, que pretende fundir todos los hallazgos anteriores de un modo demasiado controvertido. Pese a todos sus descubrimientos particulares, el arte del XIX no consigue un sello de calidad como los siglos anteriores (Renacimiento y Barroco, por ejemplo), sino que mezcla todos sus descubrimientos para hacer brotar diversos estilos poco convincentes.

El hierro, el cemento y el vidrio revolucionan la construcción del siglo XX que dan lugar a dos grandes estilos: el racionalismo y la arquitectura orgánica, cuyos representantes más destacados fueron sin duda Le Corbusier y Lloyd Wright, entre otros muchos autores que transforman definitivamente la construcción arquitectónica. Los rascacielos ponen la nota imperativa del nuevo siglo y se extienden por todo el mundo.